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芸術に対して商売のような言い方をすると嫌われる傾向がありますが、特に舞台芸術はコピーして大量生産して全国で同時販売する、ということは出来ません。だから長く観続けてくれるお客さんとの継続的な関係性(生涯顧客)の構築が大切で、アートマネージャーはそのための知識や感覚をもっている必要があると思います。僕が30代の時に、文化庁の在外研修でロンドンに滞在し、劇場の会員システムを調べました。日本では会員になるとチケット代が割引になるのが普通ですが、ロンドンの多くの劇場では支持会員の会費がチケット代以上に高い。つまり安く観るのではなくて、それ以上に支援しているんです。特典としては、初日のパーティーに参加できるとか、劇場の椅子にネームプレートを付けてもらえるといったことがあるのですが、そうしたことで会員と劇場との関係性がより強くなる。劇場にとっては経営的にプラスになるし、会員の人にとってもステータスになるという相互関係なんです。これを日本でもできないかと思い、帰国後、当時所属していた劇団(文学座)で、それまで年会費が２万５千円くらいだった会員制とは別に年間５万円、10万円、生涯100万円というコースを設定したいと提案したら「同じ芝居を観るのにわざわざ定価より高いお金を払う人がいるのか」という声が多くありました。だけど「一人も会員になる人がいなくても損はしないから」と説得して実施したところ、100万円コースも含めて、皆が思っていたより遥かに多い方が入会してくれました。

 

 

ーーなぜそのシステムがうまく作用したのでしょうか。

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観る人はその時間をその場所に行って過ごすという、いわば感覚的、心理的な体験に対価を支払っているので、その人にとっての価値観は様々です。アートにおいては、需要供給曲線の交点ではなく、作品を介したアーティストと鑑賞者との間の信頼関係で価値が決まるはずなんですよ。だから会員制にグラデーションをつければ、実質的には定価に縛られることなく、「客席単価×客席数」という限られた枠以上に収入を増やすことができるわけです。

ちなみに「E9」でも年間３万円と５万円のサポート会員には何の差もありませんが、５万円コースを選択していただける人もいます。

日本では公的な助成金を申請するとその度に芸術の価値や必要性について「誰にでもわかる説明」を求められます。もうかれこれ四半世紀以上、アーティストやアートマネージャーがこの説明をし続けているのですが、未だに文化行政を司る国や地方自治体の公的機関の皆さんには本質的な理解を得られていないということになります。

その一方で私たちも「芸術は人の心を豊かにする」から必要だという言い方をよくしますが、芸術に触れていない人の人生が豊かでないということでは決してありません。つまるところ苦し紛れに「芸術的な手法は世の中の役に立つから」というもっともらしい話にとりあえず落ち着かせてしまい、その結果、何か社会奉仕的なこと(これを「社会包摂」という間違った言い換えをしていたりします)をしないと公的助成金をもらえない、という風潮が常識になりつつあることにはとても危機感を抱いています。

芸術を役に立たせるためにやるとつまらなくなっていきます。しかし、あらゆる芸術は歴史上、今この瞬間まで、世界中で地上から無くなったことはありません。この事実を否定することは誰にも不可能であり、まさにそのことが人類にとっての芸術の必要性を自ずと証明しているわけです。

ただ、ここで芸術創造活動をやめてしまうと過去の人類が営々と、時には命がけで証明し続けてきた努力を終わらせてしまうことになってしまいます。だからこそ芸術家は「社会奉仕」や「社会包摂」より何より、創造活動を続けることが大切です。そしてアートマネージャーはその活動のために継続的安定的な環境を確保することに注力し、劇場はそのプロセスと作品を観客、社会と共有する場として大切に育んでいかなければなりません。